Reseña de la obra ilustrativa de Karim López

 

Karim López es un talentoso artista polifacético de la ciudad de Santiago. Durante su trayectoria como artífice se ha destacado por su disciplinada labor como ilustrador, escritor y músico.

De las ilustraciones de este artista podemos destacar el carácter experimental que éstas poseen. Cada una de ellas están basadas  en experiencias personales, relatos ficticios y por la musa que le produce escuchar algunas canciones que han trascendido a lo largo de la historia. Sus ilustraciones  están marcadas por cierta originalidad que demuestran la facultad extraordinaria de Karim a la hora de crear como también el desarrollo de un estilo que lo diferencia del resto.

He aquí algunas de ellas:

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R30DD – Soundtrack – #28: The Beatles – “A Day In the Life”

(28/30h). Con el café aún caliente haciendo montañismo en mi garganta, el periódico a medio desenvolver botando páginas y con los dedos de uno de los pies amarrando los cordones del otro zapato – que por cierto, veo que le falta limpieza – corro por el pasillo tratando de ir más rápido que las burlonas manecillas del reloj, quienes no se dan por vencidas. Paraguas por si llueve, y tanto el café como el periódico como las hojas que quedaron detrás como la urgencia y los cordones que son cuerda de arco, me impulsan hacia arriba para fundirme con la calle, el humo, y los demás transeúntes que no sé si son papeles sobrantes de otros periódicos o gotas de energizantes que de tanta cafeína tomaron vida propia y echaron a andar. ¡Soy el rey de la prisa! ¡El monarca de lagañas que se fueron mojadas por el lavadero junto a barba afeitada! ¡Emperador del polvo de asfalto! Dios mío…da lo mismo ya si la semana empieza o termina.

 

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R30DD – Soundtrack – #27: Derek and The Dominos – “Layla”

(27/30h). Cuenta la antigua leyenda árabe que Layla (que se traduce como “noche”), le fue negada por su padre al pobre Majnun, quien descendió de romántica locura a lo más oscuro e inhóspito, tanto de bosques y parajes como en su interior. Y que allí, donde la luz de lo cuerdo no podía más alumbrarle, pidió al Creador no dejarle salir de su encierro si eso significaba regresar al mismo calvario de no estar con Layla. La leyenda tras muchas vueltas y arduos valles llegó a una eventual feliz conclusión, pero mientras ésta llegó, Magnum cambió la noche con cuerpo y nombre de mujer por esa que le abraza con el frío y la duda, en medio del desconsuelo. Se refugió en un corazón que lo consumía sin dejarlo salir. Un altar de arterias. Una virgen para los decepcionados. Un modelo a repetir hasta que a los siglos se les termine el combustible. Fascinante, pero desgarrador.
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(15/31f). La idea de pasión no debe asociarse exclusivamente, como suele equivocarse, al acto del sexo, pero la aproximación desde el punto de vista ejecutivo, debe ser parecida. No puede ser de otra forma si se quiere efectiva. Hacerle el amor a las ideas, sentir el fuego envolvente de las cosas que nos gustan, mientras la sangre nos zumba en los oídos ansiosa de ensordecernos en el mágico ritual de la actividad durante la que el tiempo se detiene y la piel se nos eriza. La pasión no hace distinción entre personas, funciones ni sobretodo, objetos.

 

Para concluir, si le interesa ver más de sus ilustraciones puede verlas por su blog: www.pop69.blogspot.com

Reseña de la exposición: Color Urbano

La exposición Color Urbano del artista Wali Vidal en su unicidad es una representación visual de los aspectos más peculiares y característicos de la idiosincracia dominicana; en esta exposición vemos visualizado desde el vendedor de frituras, la virgen María, hasta el grupo de niños traviesos del barrio.

En lo personal quedé encantado al observar el tecnicismo y la calidad en los trazos; esto demuestra la profesionalidad de este pintor de la ciudad de Santiago.

Tengo que destacar que me reí bastante al ver varias de las piezas, principalmente la que representa a tres políticos de manera caricaturesca.

Por tal razón, les invito a todos mis lectores a pasar por Casa de Arte a contemplar esta exposición de este talentoso pintor que ha engendrado esta ciudad.

 

Por: Julio Pérez Cabrera

Breve reseña de la obra “Danza de la lluvia” de Ce Qei

Ce Qei es uno de los raperos de la escena underground de República Dominicana que promete mucho, esto lo expongo debido al carácter alegórico de sus líricas y al estilo que ha desarrollado para exponer a sus fantasmas.

En la canción “Danza de la lluvia” plantea de manera simbólica de cómo es arrastrado a la deriva al punto tal de dejar sus aspiraciones por ser ahogado por sus propias críticas y la de los demás.

Este tema en lo musical me ha encantado por la simple razón de que tiene una onda jazzy mezclada con la esencia del hip hop. Por lo tanto, le invito a todos ustedes, queridos lectores, a seguir el trabajo de este mc.

Señor KR

 

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La música y la poesía, ambas expresiones místicas del ser humano, han servido desde sus inicios como herramientas fundamentales para la transformación de la sociedad. Esto lo vemos reflejado desde los movimientos de los poetas sociales españoles de los años 1950 y 1960 como fueron: Gabriel Celaya, Blas de Otero y José Hierro. Todos estos poetas en su desarrollo como creadores, plasmaron las condiciones sociopolíticas de su época. Al igual, este mismo fin lo vemos reflejado en las manifestaciones poéticas en la década de los 70s por parte de los afroamericanos: Gil Scott- Heron y de The Last Poets. Estos artistas fueron una gran influencia para el desarrollo de movimientos sociales en pro de los derechos civiles como fueron los grupos liderados por Malcom X y Martin Luther King. Del mismo modo, fueron precursores de lo que posteriormente sería el Hip Hop, una subcultura enérgica y contestataria que se desarrolló en los barrios marginados del Bronx. Solo basta escuchar la canción “The message” de la banda pionera de este género como fue Grand Master Flash para notar los lineamientos estéticos y los fines prácticos de este movimiento.

En República Dominicana, el Hip Hop ha servido para diversos exponentes como una herramienta de protesta y movilización social, entre estos se destaca el Señor KR, uno de los raperos más respetados en esta subcultura. Esto se debe a que en el largo trayecto de su carrera ha mantenido una postura coherente y comprometida con su realidad circundante.

Pues bien, el estimado rapero Señor KR inició su carrera profesional hace veinte años en la ciudad de San Cristóbal. A pesar de haber tenido varios años en la música y de haber elaborado algunas grabaciones independientes, su primer trabajo de larga duración salió a la luz en año 2001, bajo el título de “Implantando Huellas en las Estrellas” con el cual logro posicionarse de forma respetable en la escena de Hip Hop nacional, pero este trabajo lo llevo a otras aguas, ya que en el 2005, Señor KR fue elegido como representante dominicano en el Festival de la Juventud y los Estudiantes en Venezuela; tierra que visita por segunda vez en 2007 cuando participó en la Cumbre Internacional de Hip Hop de Caracas.

En 2008 fue parte del álbum “Mecanismo de Defensa” del colectivo Alianza Meka y de otros proyectos perteneciente a este movimiento. En 2009 publicó su segundo álbum como solista, bajo el título “Oveja Negra”, desde entonces, Señor KR no ha parado de participar en diversos eventos, tanto relacionados con la música, la política y la literatura, ya que aparte de ser un conocido rapero en el underground, tanto en la escena local como internacional, este artista es escritor y miembro directivo de la Fundación Literaria Aníbal Montaño, institución sin fines de lucro que se dedica a la creación y promoción literaria en jóvenes y niños de los barrios marginados de San Cristóbal, como también de otras provincias de la República Dominicana. Este activismo cultural ha sido desarrollado a través de la elaboración de talleres, charlas y otros encuentros que han dado como fruto más de veinte libros publicados, y otros tantos por publicar.

En su rol de poeta y narrador, Señor KR prepara su primer poemario formal bajo el título “Poesía y Pensamiento”, un ensayo sobre Hip Hop titulado “Hip Hop Mas Allá de un Ritmo”, un libro de cuentos breves bajo el título “La ciudad” y otro de narrativa, llamado “el chamaquito de Jeringa”,  con los cuales busca reafirmarse como escritor y hacer un aporte más allá de lo musical; además de tener listo lo que sería su cuarto álbum de estudio,  el cual lleva por título “Un poeta en oferta”.

En fin, Señor KR ha sido uno de los mcs que me ha mantenido vivo el agraciado fulgor de la esperanza; es un rapero que no es solo versos, sino acción. Es por esta razón que lo que considero un individuo digno de admirar. Así que le invito a usted, estimado lector a escuchar algunos de los temas compuesto por este grandioso artista. La buena música existe, aunque en la radio solo suena las impurezas, y es lógico, a los dueños de las emisoras no les interesa que pienses, sino que te mantengas anodadado en la mentira para que sigas siendo un consumidor más de la gran red la sociedad del espectáculo.

Por: Julio Pérez Cabrera

Hache ST

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“La música y el Hip Hop debe ser politizado. Cuando digo politizado no me refiero a que deba ser partidario sino más bien que cada exponente deber ser responsable consigo mismo debido a que la sociedad está construida bajo la política. Nosotros los mcs, debemos ser críticos y coherentes con nuestro discurso”

Hache St. [HipHopRD]. (2015, 2 de septiembre).  Hache ST: El HipHop En General Necesita Ser Politizado & Responsable [Archivo de video]. Recuperado de https://www.youtube.com/watch?v=ncYudLDwHDU

Hache St es uno los poetas y mcs de la diáspora dominicana que más respeto. Su música la he escuchado desde que tenía 15 años. Por las investigaciones que he realizado en registros históricos y en la web, puedo afirmar que este exponente es el padre del Hip Hop en la ciudad de Santiago de los Caballeros.

Recuerdo la noche que lo conocí en América Libre 2014. En ese mismo evento compré su disco: Zafra. Esa noche logré tener una breve, pero trascendente conversación con él. Noté que era un sujeto de naturaleza ermitaña y bohemia; tal así como los grandes poetas y filósofos suelen ser. Me acuerdo que esa noche hablamos sobre sus influencias, lecturas, sobre el status quo de República Dominicana y hasta de Nietzsche.

Para ese tiempo solo había escuchado dos de sus álbumes: Efecto Cibaeño y Cognición. Ahora bien, después de haber llegado a mi hogar tras un intenso y emotivo concierto; coloque en el tocadisco de mi habitación el álbum Zafra ¡Grata sorpresa la mía de esa noche! Estaba escuchando uno de los mejores álbumes de Hip Hop producidos por un rapero dominicano. Esto no lo afirmo porque sí; solamente hay que analizar la complejidad de la estructura musical y el contenido discursivo de todo el álbum.

Zafra es sencillamente una excelsa obra de arte en el que se define las verdaderas raíces antropológicas y culturales de nuestro pueblo. Este es un álbum que discursivamente hace una crítica exhaustiva: a la falta de memoria histórica de nuestro pueblo, a la intolerancia a los hermanos haitianos, a la corrupción estatal, a la educación tergiversada, a el jeviteo, a la discriminación racial, entre otros problemas comunes en nuestra sociedad.

En definitiva, les invito a conocer la obra de este talentoso poeta y rapero dominicano. Es uno de los pocos grandes prodigios del Hip Hop que nos queda. Así que apóyenlo y escuchen sus temas por Spotify, Youtube y Itunes.

 

Por: Julio Pérez Cabrera

Análisis de la obra “En el camino de la iluminación” de Edison Montero

Hace dos semanas fui a ver la exposición “Tiempo de comic” en el Taller de Arte Contemporáneo Tríptico. Fui acompañado de mi amiga y colega Gabriela Gell. Nosotros, al contemplar las creaciones artísticas quedamos sorprendidos por la diversidad estilística, al igual por la fascinante creatividad de los artistas locales.

Sin embargo, hubo una pieza en la cual nos detuvimos aproximadamente por 20 minutos con el fin de analizarla y comprender el trasfondo filosófico y antropológico que al artista quería comunicar.

La obra a la que me refiero es la secuencia narrativa de Edison Montero “En el camino de la iluminación”.

Esta es una obra con un acabado muy bien logrado. Los trazos se notan que fueron realizados con la mayor sutileza posible. Los colores hacen que el espectador se transporte a un plano surrealista donde el individuo y el universo conservan una unicidad armoniosa. Considero que esta es la razón por la que mi amiga y yo quedamos impactados al observar la creación.

Un punto muy interesante de la secuencia es que el artista utiliza un animal serpentiforme que engulle su propia cola, formando así una figura circular. Este es un símbolo utilizado por la gran mayoría de las escuelas esotéricas; simboliza el ciclo eterno de la vida o tal vez el absurdo de la existencia, tal como lo plantearían los pensadores nihilistas como fueron: Friedrich Nietzsche y Martin Heidegger.

Ahora bien, el concepto etnográfico que plantea el pintor es lo que nos resultó más interesante. Desde nuestra percepción, nosotros llegamos a la conclusión de que el artista partía como base fundamental el libro de la Biblia. Entonces, al ser Edison Montero un pintor de gran ingenio, interpretamos que intento transmutar todo el andamiaje conceptual que nos han inculcado desde que somos niños. La imagen de Cristo que no enseñan en las iglesias y en las escuelas es el Cristo blanco y de cabello lacio como lo elaboraba el pintor barroco Diego Velázquez, pero … ¿Realmente Cristo fue de tez blanca si se estima que se desarrolló por las zonas aledañas a Egipto? ¿No será esta una visión de un cristianismo tergiversado por lo alta nobleza del Occidente?

En definitiva, “En el camino de la iluminación” es una obra maestra de este talentoso y prometedor pintor de República Dominicana que nos hace cuestionarnos sobre muchas concepciones que nos han sido infundidas y que por ser de carácter dogmático no cuestionamos. Así que le invito a usted, estimado lector, a que pase a ver la exposición “Tiempo de comic” en el Taller de Arte Contemporáneo Tríptico; le prometo que no se arrepentirá.

 

Por: Julio Pérez Cabrera

Muerte por mil cortes

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Ayer jueves 15 de septiembre de 2016 tuve el honor de ver en el Centro León “Muerte por mil cortes”, un documental de ámbito medioambiental dirigido por Jake Kheel y Juan Mejía Botero. Ambos profesionales son individuos comprometidos por la conservación del medio ambiente. Kheel ha trabajado en varios programas de soluciones de la degradación de los recursos ecológicos y Mejía Botero en la producción de diversos cortometrajes de índole antropológico.

El título del documental hace alusión a una forma de suplicio chino utilizado hasta principios del siglo XVIII para ejecutar penas de muerte. Según la fuente de Wikipedia; esta práctica consistía en descuartizar al reo, que previamente era drogado con opio y atado a un poste hasta extracción de un órgano vital. Si hacemos un símil con el tema tratado en el documental; es simbólicamente lo mismo lo que le están realizando las grandes corporaciones sin escrúpulos a nuestros recursos ecológicos.

El tema central del documental es la deforestación ilícita que se ha ido realizando en el Parque Nacional Sierra de Bahoruco con el fin de obtener carbón y venderlo ilícitamente. Es decir, una crítica exhaustiva a la avaricia del ser humano.

El documental por todos los pasajes mostrados tiene un gran valor antropológico y etnográfico debido a que se presentan las manifestaciones sociales y culturales de los individuos aledaños a la zona; desde las costumbres cotidianas, ritos religiosos y expresiones artísticas.

Es mostrado explícitamente en el documental que la explotación irracional de los recursos ecológicos trae graves consecuencias para la estructura social; tales como: enfermedades, pobreza y migraciones masivas.

Todo lo proyectado en este trabajo cinematográfico me motivó a realizar una introspección profunda sobre la realidad sociopolítica de la isla de la Hispaniola; discurre por lo siguiente. Gran parte de los citadinos de los sectores populares con prejuicios vinchistas-ultranacionalistas de República Dominicana satanizan y culpabilizan a los habitantes haitianos por los actos de explotación sin conciencia de los bosques, sin embargo… ¿Realmente son ellos los culpables? No, ellos sencillamente son peones de una estructura más compleja de hombres ambiciosos y sin principios éticos que solo les interesa acrecentar sus riquezas sin pensar en el futuro de las nuevas generaciones.

Y vuelvo a interrogarlo a usted, estimado lector ¿Si no tuviera los recursos necesarios para satisfacer sus necesidades fisiológicas básicas, no haría usted lo que fuera para preservar su existencia? He ahí la cuestión.

Muerte por mil cortes es un trabajo digno de apreciar; es imposible verlo sin que te despierte la indignación y el deseo de asociarte a una organización no gubernamental que luche por la preservación de nuestros recursos naturales.

En fin, le invito a participar en el festival de Muestra de Cine Medio Ambiental realizado en el Centro León. Es una experiencia que me ha ayudado bastante para sensibilizarme más sobre los recursos de la isla en que vivo; además me ha ayudado para reconfirmar mi tesis sobre el Arte, la cual es que el fin ulterior del este mismo es sensibilizar el alma del ser humano para que este sea cada vez más empático y comprometido con el medio.

 

Por: Julio Pérez Cabrera

The Wall

The Wall es una película que es imposible verla una sola vez debido a la complejidad de los temas expuestos y la diversidad de símbolos que el espectador debe decodificar.

La primera vez que la vi floreció en mí una abominable amargura de modo similar a la que experimenta Antoine Roquentin, personaje principal de la novela “La náusea” del escritor y filósofo francés Jean Paul Sartre. Sin embargo, después de verla varias veces logré calmar el desasosiego que me causaba para así poder comprender la tesis planteada en la película.

Argumento

Este filme dirigido por el director británico Alan Parker, con animaciones de Gerald Scarfe y con un excelso guión de Roger Waters está basado en el album conceptual de la legendaria banda británica Pink Floyd. La trama de la película se sustenta en la historia de una estrella de rock ficticia llamada Pink que es una especie de alter ego de las vivencias de dos de los miembros de la banda: Syd Barret y Roger Waters.

Pues bien, Pink es un personaje existencialista que tiene la condición vital de sentirse arrojado en el mundo y por lo tanto responsable de sus circunstancias. Él es un individuo que padece una gran cantidad de traumas que con el transcurso de los años se transforman en ladrillos de su muro metafórico que lo aleja de su dura realidad pero que al final lo sumerge en una fantasía autodestructiva.

El primer trauma que sufre es la muerte de su padre en un combate de la Segunda Guerra Mundial. Cuando sucede esto él apenas era un niño que empezaba a conocer la vida lo que infortunadamente lo conllevó a madurar antes de tiempo y tenerle que decir adiós a la bella ingenuidad.

La segunda situación traumática que vive en su etapa de infante es la marginación y opresión por parte de profesores frustrados que le impiden desarrollar su parte creativa con el fin de que se alienara como el resto, no siendo más que un ente homogéneo y servil para la gran máquina.

 

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Ahora bien, cuando llega a su etapa de adultez se transforma en un músico exitoso, obtiene todas las propiedades que deseaba  y logra contraer matrimonio. Sin embargo aún seguía sintiendo dentro de sí un gran vacío existencial que no lograba calmar.

A pesar de todo, Pink empieza su verdadera autodestrucción cuando en su proceso de gira como músico se entera del acto de infidelidad por parte de su mujer. En ese momento Pink cae abatido e inicia anegarse de manera desequilibrada en el libertinaje (groupies, drogas y alcohol) con el fin de mitigar su sufrimiento.

“What shall we use

To fill the empty spaces

Where we used to talk?

How shall I fill

The final places?

How should I complete the wall.”

                                                                                                                 (Empty spaces, Pink Floyd)

 

Pink, al no lograr saciar su vacío es absorbido por su propio agujero negro a un estado locura. En su estado delirante sufre una metamorfosis de un hombre sensible a un hombre fascista. De ahí empieza a dirigir a todas las masas enfurecidas para que siguieran su mandato destructivo. No obstante, todo esto ocurre solo en su mente.

Al final, Pink es mostrado en una escena encerrado en un baño llorando y  recitando algunos de sus poemas. Sin embargo en su mente vive una experiencia surrealista: el juicio.

“Good morning, Worm your honor

The crown will plainly show

The prisoner who now stands before you

Was caught red-handed showing feelings

Showing feelings of an almost human nature

This will not do”

                                                                                                                     (The trial, Pink Floyd)

En el delirio es juzgado por su maestro, su madre, su esposa y el Estado. Todos en forma de figuras surrealistas. El más peculiar de todo es el Estado que es simbolizado en forma de un ente de dos patas que habla por el ano y que al final es quien defeca todos los recuerdos traumáticos en el muro de Pink  derrumbándolo y volviéndole de nuevo a la realidad.

 

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Análisis de la película

En The Wall se plantea una crítica exhaustiva a diversos temas como son: la guerra, el consumismo, la sobreprotección materna, el sistema educativo opresor, las drogas, el libertinaje, entre otros.

Debido a la complejidad de la película me enfocaré en mi análisis en un tópico que se conecta con el resto y le da justificación a la conducta del personaje principal. Este tópico es el nihilismo existencial.

Pink es un personaje que anda por la vida sin ningún sentido y que trata de atenuar todo su sufrimiento a través de conductas escapistas.

Es por esta razón que me  gustaría emplear el pensamiento del escritor y psiquiatra austriaco Víctor Frankl para evaluar a Pink. Frankl en su teoría logoterapeuta planteaba que no importa que tan adversa sea la situación que esté padeciendo un individuo, si éste tiene un sentido para vivir dará todo para seguir hacia adelante y no dejarse ser atrapado por pensamientos autodestructivos.

Frankl desde una perspectiva empírica reconocía la importancia de brindarle un sentido a la existencia a pesar de todos los infortunios que esta representara pues él mismo fue víctima de perderlo todo en el campo de concentración de Auschwitz donde perdió a su esposa, a sus amigos y el manuscrito que contenía su obra maestra. Sin embargo, a pesar de vivir todas esas circunstancias adversas aún conservaba su voluntad de sentido que le motivaba a seguir hacia adelante.

En el caso de Pink su voluntad de sentido estaba en un proceso agonizante lo que le llevó a aislarse de su realidad y dejar de vivir plenamente. No obstante, al final con la destrucción del muro recupera de nuevo su sensibilidad humana.

En fin, considero esta película una obra maestra por la manera en que es mostrado el proceso de deshumanización que pasa un individuo en una sociedad de posguerra que le incita a llenar su vacío a través de objetos materiales. Este es un retrato perfecto de la dirección que han tomado las sociedades posmodernas que a través de los medios de comunicación de masas tratan de crear falsas necesidades en las personas para que consuman e identifiquen sus pertenencias como parte de su identidad. Por este motivo  asumo que este filme debe ser visto por todos los filósofos, sociólogos y psicólogos de nuestra época para que analicen este mal contemporáneo que tanto nos afecta.

Julio Pérez Cabrera ©

 

Riesgo

“El amor es aquel estado en el que el hombre ve, la mayoría de las cosas como no son. La fuerza de la ilusión alcanza entonces su apogeo, y lo mismo la fuerza dulcificante y transfiguradora. En el amor se soporta mucho más que en cualquier otra condición, se tolera todo”

Friedrich Nietzsche

Unión

El pasado sábado 4 de junio de 2016 tuve la oportunidad de ir a ver la exposición fotográfica “Riesgo” de Yves Drube y Aura Santos. Antes de entrar al salón donde está instalada la exposición tenía una noción preconcebida de lo que creía que iba encontrar. Sin embargo, tengo que admitir que fui sorprendido. El afiche sobre la exposición que había visto daba la noción de que iba ser de naturaleza erótica y un poco cliché. De manera irónica, fue todo lo contrario a lo que pensaba. Los esquemas que tenía prestablecido fueron quebrados de una manera formidable desde la primera pieza. Algo me decía que era imposible encontrarme con algo superfluo y más partiendo de ellos.

Pues bien, esta exposición está conformada por doce piezas fotográficas que en su unicidad plantean un análisis existencialista de un tema universal: el amor. En esta, el fotógrafo Yves Drube marca el inicio de su experimentación estilística. Planteo esto dado a que todas las obras fotográficas de Yves anteriores a las de “Riesgo” son en blanco y negro con un contenido que incide en la crítica social. No obstante, en esta nueva creación utiliza la fotografía a color con un contenido enfocado en la expresión de algo tan íntimo como son los sentimientos.

Las primeras cuatro piezas de la exposición presentan la ilusoria parte dulcificante del amor convencional en la que cada individuo se desprende ciegamente de su individualidad para entregarse por completo al otro. En la unión, muy perceptible en la obra, es donde inicia el riesgo. El riesgo a ser engañados, heridos o decepcionados.

En esta fase anestésica llamada enamoramiento, los dos seres que conforman la pareja  se les olvida que son uno por lo que inicia la crisis de la identidad por la filiación en el “nosotros”. De esa crisis de identidad surge paulatinamente la fase de desgarramiento de la ilusión por los indicios de posesividad, decepción, celos y monotonía. Esto conlleva a la fase de ruptura que bien conceptualizado en la pieza “Decisión” encauza a un sufrimiento abismal debido a la aniquilación de la identidad del “nosotros”. De ese proceso de abatimiento comienza la restructuración del yo y por lo tanto el recuentro de los individuos consigo mismos.

Dolor

A pesar de que “Riesgo” está cimentada en la exteriorización de las diversas etapas del amor, notó de una manera sutil una crítica social a los esquemas sociales establecidos. Conociendo las inclinaciones libertarias de Yves Drubre logro intuir un planteamiento al no recaer en el desprendimiento total de nuestra identidad pues resulta que todo va y viene; lo único que perdura junto a nosotros es nuestro ser, por lo tanto lo que percibo es un llamamiento a ser auténticos y por lo tanto no abatirnos en las redes del apego pues como se representa en la pieza “Decepción”, lo único que trae es sufrimiento.

Morgue

Después de largas reflexiones he llegado a la conclusión de que lo da la magnanimidad a la exposición es la manera en cómo es representado un tema tan universal como es el amor. Es inevitable que cada espectador asocie sus experiencias y recuerdos particulares con lo figurado en la obra. Esto es lo que permite la multiplicidad de interpretaciones que nutren más la obra.

Así que felicito a Yves Drubre y a Aura Santos por el gran trabajo realizado. Por otro lado, les invito a ustedes estimados lectores a visitar la exposición en las instalaciones de Utopía.

 

Para finalizar, aquí les dejo un tema de un grande del rock suramericano: Gustavo Cerati. Que sea de su provecho.

 

Julio Pérez Cabrera ©

Si quiere leer otro análisis  le recomiendo: Los artificios del ego

 

 

 

 

 

Alleged Suspects

Alleged Suspects es una banda de rock experimental de Santo Domingo. Está conformada por cuatro miembros: René Rodríguez (guitarra y voz),  William Ulloa (guitarra y voz),  Diego Clark (bajista) y Kendy Reyes (bateria).

Su estilo se inclina a un rock en esencia psicodélico pero con ciertos rasgos del funk y el grungue lo que le da a la banda cierta autenticidad. Es un grupo que experimenta mucho con riff de guitarras distorsionados y cambios constantes de tempo e intensidad haciendo que sus temas no sean monótonos.

He tenido dos veces el privilegio de deleitar en vivo los temas de esta banda en el bar de Utopía y las dos veces me sorprendieron puesto que es una agrupación que conserva la calidad musical en el escenario.

Sus temas son dignos para escucharlos cerrando los ojos y fluyendo al ritmo de la música pues lo que generan sus melodías es un estado de sosiego.

En fin, invito a todos escuchar Lé, su más reciente producción. Un EP cargado de cuatro temas enérgicos, diversos y penetrantes. Alleged Suspects es una banda muy prometedora ya que tiene un estilo innovador y maduro.  Espero que no se desanimen y continuen produciendo. En este país hacen falta bandas como esta que se arriesguen a trascender la línea del cover band tan plagado últimamente.

Julio Pérez Cabrera ®